艺术概论论文（艺术概论论文怎么写阿.谁来帮帮我.! 谢谢..）

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• 艺术概论理论课课程论文
• 服装设计系—艺术概论论文

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设计学概论论文 从艺术文化学的角度审视工业产品设计 "从远古的洪荒年代起，直到现代文明的建立和发展，人们从来没有停止过对于造物的苦思冥想，和实际的造物活动。" 人通过这种有意识的活动改造了自然，并使自己获得人类的灵气。自然界就被赋予人的意义，出现反映人的意向和活动的世界，"文化"也就开始了它的一发而不可止歇的生命运动。一块天然的岩石不具备文化意蕴，但经过人工打磨，便注入了人的价值观念，进入"文化"范畴。人类适应环境、改造环境并改造自身的过程与产物就是文化。人打磨石器的过程，人在打磨石器的过程中知识和技能的提高，在打磨石器中人与人结成的相互关系，以及最后成就的这件包蕴着人的价值取向的石器，都是文化现象。 文化是指在人类社会的历史实践过程中，所创造的物质财富和精神财富的总和。"是人类为了以一定的方式来满足自身需要而进行的创造性活动"。 "社会的人是动物长期发展的产物。但是，只有当人不满足于坐享大自然的赐予，而开始亲自生产他所需要的消费品时，人类的文化史才开始了。" 这种文化诞生于人类最初的"造物"活动之中，可以称之为"造物文化"。只是到了后来，生产力发展了，人的需要丰富了，文化的内涵就由简而繁、由单一到多样，文化的概念也随着文化学研究的深入而被赋予越来越复杂的内涵。但有一点，即人类文化是由一元向多元发展的，没有改变。 一部人类的文化史，无论哪个地区和民族，可说都是从制造生产工具和生活用品开始的。人类在打制第一件石器作为工具的时候，并不是出于"艺术"和"审美"的考虑，而完全是出于"劳动"，利于"生存"的实用目的。也就是俄国普列汉诺夫（1856-1918）提出的"实用先于审美"。因此，从最早的意义上讲，造物活动是综合的、笼统的、实用的。但是，一般的人造物只要一旦作为物质出现，就会具有一定的实用功能；作为物质的存在，就会对人产生精神的影响。在"劳动"、"生存"的实用目的达到以后，就开始了附加上"艺术"和"审美"的考虑，一般的人造物就上升为造物艺术。在长期的历史中，随着人类进行"艺术"和"审美"考虑的越来越丰富，人造物作为它原来的载体已不能充分满足了，便逐渐从中派生出、分离出现在所谓的"纯艺术"，由此形成艺术文化，譬如独立欣赏的绘画。以致出现了"物质文化"和"精神文化"的分野。然而，造物文化作为原发性的"母型"并没有被解体，而是沿着自身的轨迹发展。而此时的造物文化也就是造物艺术文化。 人类的造物活动，是以人类自身的创造性获取一种自然界中本来所没有的功能形式，求得在自然中的主动生存的开始，是最本质的文化现象。造物文化就是一种在物质文化和精神文化之间或之上未经分解的文化，带有原发性和综合性。张道一教授在造物艺术论中把这种兼具物质文化和精神文化而不可分离的文化称为"本元文化" 。并在《跨世纪的造物艺术》一文中说： "……一般的人造物，按照通常的说法，多称作为’物质文化’；它是相对于’精神文化’而言的。……严格地说，这方面的’人造物’，不能算作纯’物质文化’，而是带有文化的综合性，我称之谓’本元文化’。即在文化分为多元之前，一种最早的文化形态。随着社会的和生产的分工，文化由一元而分作多元，本元文化并没有被解体，而是同物质文化和精神文化并行发展。而且由于它同科技的发展同步，又合着生活的脉搏，一直保持着旺盛的生命力。如以陶瓷为例，从它的历史演变中不难看出，尽管技术变了，生活方式变了，它的制作、式样、用途也随之变化，而且能够看出各代陶瓷和品类式样上的风格差异，成为实用与审美的统一物，但上万年来并没有中断。由文化上的综合性，决定了它在艺术上和美学上的综合性。我们所要研究的’造物艺术’及其设计，正是指这一类的文化。" 作为本元文化的造物文化从其出现的时候就具有了实用和审美的双重社会功能。实用功能的发挥是个体的，而审美功能的发挥是整体的。 而造物艺术文化从它形成起就具有了造物文化的性质。前苏联学者卡冈认为，艺术文化从文化形态上是不同于物质文化和精神文化的特殊文化，由此，他将整个文化分为物质文化、精神文化、艺术文化三部分。物质文化是指从自然向文化的转化，包括物质生产的产品和方式；精神文化是指由精神生产创造的意识形态方面的文化，两者是互为的。而艺术文化则是这两种文化有机互融的结果。他认为："人的艺术活动的这种特殊的精神--物质完整性导致了：定形于艺术活动周围的艺术文化不能纳入精神文化的界限内，它在文化的空间中既区别于精神文化，又区别于物质文化，具有相对的独立性。而这就是说，艺术文化的内部结构具有特殊性，既区别于精神文化的结构，又区别于物质文化的结构，因为它由艺术活动本身的特性所决定。" 这里卡冈所说的"艺术文化"就是造物艺术文化。 人类文化的发展，如今已是丰富多样，绚丽多彩。高尔基把大自然看成是"第一自然界"，而人类创造的文化是"第二个自然界"。他说："学者观察着，研究着一切存在在’第一自然界’里的现象，教人用这’第一个’的力量去创造’第二个’，教人关心自己的健康，延长自己的生命。艺术家观察着人的内心世界--心理。"他认为"三个人是创造文化的：学者、艺术家和工人。"艺术是文化的一个重要方面，它的品类更是错综复杂，几乎无法从同一个角度进行分类。一般的艺术，是"纯然"的意识形态，作用于人们的精神，起着认识、教育和审美的社会作用，是易于辨别的。但是也有的艺术门类，并不纯是意识形态，它以物质形态出现，同时又影响着人的精神，这就是造物艺术。造物艺术直接关系到人们的衣食住行，它既是物质文化又是精神文化，是适应着物质生产而发展起来的一种表现的艺术。造物艺术也就兼具了造物文化和艺术文化的特征。 大千世界中，多样的造物艺术已是司空见惯。然而，当我们生活在一切需用之物齐全的环境里，对这些无时无刻不接触的造物艺术的存在以为都是天经地义的。于是便视而不见、熟视无睹了，对这些人造物的"母型"地位也就漠视了，把这种造物文化简单化地归入"物质文化"，斥为工匠之作，并排除在艺术与美学之外。特别是我国自先秦以来，奉行形而上之道，以形而下之器为不齿。造物属于形而下的范畴，由此它从思想观念上和社会实践上都被纳入了世俗末流之中，这种思想影响于历代。正是我国这种传统的"重道轻器"思想的沿袭，在实践上强烈的社会需求促使工艺及产品大量介入人的生活，成为一种左右社会和人们心态的物质力量；而在人们观念上却又鄙视这种工肆之人的艺术劳动，不仅大批艺人、工匠得不到应有的经济地位和社会地位，造物活动作为一项文化也没有在整体意义上得到相应的承认和重视。 中国古代文人士大夫们甚至"坐而论道"："虽小道，必有可观者焉；致远恐泥，是以君子不为也。" 这种"君子不为"，不知影响了多少人。

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艺术类硕士论文 《艺术概论》是一门对艺术的基本原理和基础知识及基本问题进行专门性研究的学科。具体而言，是指对有关艺术的本质、特征、作用、发生和发展规律。艺术家、艺术作品、艺术创作、艺术风格与流派、艺术欣赏、艺术批评与社会各系统的关系进行专门研究和探索的学科；它属于艺术学的范畴。所谓艺术学是指有系统性地研究关于艺术的各种问题的学科，主要包括：艺术概论、艺术史、艺术批评三大方面；而《艺术概论》既是一门具有系统综合性和开放性的艺术基础理论课，又是准备踏入神圣的艺术殿堂的人和广大的高等艺术院校的学生的一门共同的艺术基础理论必修课。 一、艺术起源的学说艺术的起源同人类文化的起源一样古老，从那时起，艺术作为文化的独特组成部分，就始终参与和推动着人类文化的历史发展进程，体现和反映出人类文化的各个历史发展阶段。作为文化的独特组成部分，艺术又受到文化大系统的制约。作为文化大系统中的一个子系统，它只是其中的有机组成部分，是一种独特的社会文化范畴。文化系统的整体性决定了它所属的子系统，必然从属和依附于文化大系统。 1、客观精神说：认为艺术是“理念”或客观“宇宙精神”的体现。古希腊哲学家柏拉图是较早对艺术的本质进行哲学探讨的学者。柏拉图认为，理性世界是第一性的，感性世界是第二性的，而艺术世界仅仅是第三性的。 2、主观精神说：认为艺术是“自我意识的表现”，是“生命本体的冲动”。德国古典美学开山鼻祖康德认为，艺术纯粹是作家艺术家们的天才创造物，这种“自由的艺术”丝毫不夹杂任何利害关系，不涉及任何目的。他强调艺术创作中，天才的想象力与独创性，可以使艺术达到美的境界。康德的这种意志自由论成为后来的唯意志主义的思想来源之一。 3、“模仿说”或“再现说”：认为艺术是对现实的“模仿”，是“社会生活的再现”。古希腊亚里士多德在人类思想史上第一个以独立体系来阐明美学概念，成为希腊美学思想的集大成者。他认为艺术是对现实的“模仿”，艺术的这种“模仿”功能，使艺术比它所“模仿”的现实世界更加真实。满意请采纳

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　　粉红色的回忆.......　　人类社会因为五彩缤纷的色彩变得栩栩如生、绚丽生动。而作为艺术的一种形式，色彩令我们每时每刻都感受到它所产生的美感。　　上图服装款式上简洁大方，漫不经心地泄露出一种含蓄的高贵。其亮点在于服装和饰品的色彩搭配。　　其大部分色彩都为浅色系，与周围深色调的环境形成对比，显得轻盈许多，且与上装不同的是，下衣出现了鲜艳色调，纯度和明度较高的粉红色小裙穿于白色内衣和白色外衣之间，形成鲜明的对比，显得年轻而富有生气。粉红色是一种由红色和白色混合而成的颜色，通常也被描述成为淡红色。但是更准确的应该是不饱和的亮红色。戴于头部的白色小帽是真正的点睛之笔，给人的感觉是小鸟依人，落落大方但不张扬，可爱圆润，含蓄羞涩，也以服装配件的形式丰富了整体服装效果视觉元素，加强了整体色彩的跳跃性，虽有色彩上的对比，整体上仍未破坏协调统一的优雅感觉。其缺点是鞋子选择运动鞋，好像与整体服饰有些违异，选择偏女性一点的鞋子应该会好一些，因为是出去爬山，所以她选择了运动鞋。另外裙子下面好像有些突兀，给人一种空空的感觉。　　上面服饰的另一主流颜色为白色，服饰用色上，白色是永远流行的主要色，可以和任何颜色作搭配。在西方白色象征着浪漫，常常和婚姻相连。而在中国，白色常与死亡葬礼联系。此外白色象征纯洁、神圣，明快、清洁与和平，最能表现一个人高贵的气质，因此，要想穿着白色服装而显得更美，对于化妆与配件的配色就要多加考究才行。在商业设计中，白色具有高级，科技的意象，通常需和其他色彩搭配使用，纯白色会带给别人寒冷，严峻的感觉，所以在使用白色时，都会掺一些其他的色彩。白色的搭配原则白色可与任何颜色搭配，但要搭配得巧妙，也需费一番心思。白色下装配带条纹的淡黄色上衣，是柔和色的最佳组合；下身着象牙白长裤，上身穿淡紫色西装，配以纯白色衬衣，不失为一种成功的配色，可充分显示自我个性；象牙白长裤与淡色休闲衫配穿，也是一种成功的组合；白色褶折裙配淡粉红色毛衣，给人以温柔飘逸的感觉。红白搭配是大胆的结合。上身着白色休闲衫，下身穿红色窄裙，显得热情潇洒。在强烈对比下，白色的分量越重，看起来越柔和。　　上面图片以不清楚的模糊线条描画出人物和服装，线条就像是随时都要断掉一样，让人感觉那些虚虚实实隐约可见的地方给人以虚幻的气氛，正符合少女服装本身所带给人们的感觉，而上色方面也偏向透明清淡的水彩，经过细心描绘的服装和肌肤就像是可以穿透看到底下的血管一样，另外色彩透过人们的视觉反映到人的大脑，使人产生联想，激起人的情绪，这就是色彩的情感反映，色彩的情感效应是由人的联想产生的人的年龄经历以及文化修养不同，同一色彩使人产生的联想即情感效应也会不同，色彩能引起的联想会有许多共同的地方，有一定的规律性。　　就色彩本身而言是没有任何情感与意义的，但是色彩对人的心理的影响是客观存在的，现实中的色彩通过人的视觉传达必然会作用与人的心理，从而使人们对色彩产生知觉，联想以及审美等等心理饿活动，他甚至会影响人的情绪，行为等等。　　当我们步入万物葱郁的自然界中，心情会顿时充满轻快，舒畅感进入光线幽暗的房间便有忧郁不安之感。这就是色彩给于我们的明快、忧郁感。　　色彩的冷暖感：色彩的冷暖感主要是色彩对视觉的作用而使人体所产生的一种主观感受。如红、橙、黄让人联想到炉火，太阳，热血，因而是暖感的；而蓝、白则会让人联想到海洋，冰水，具有一定的寒冷感。　　色彩的轻重感：同样的事物因色彩的不同会产生不同的轻重感，这种与实际的重量不符的视觉效果称之色彩的轻重感。这种感觉主要来源于色彩的明度。明度高的色彩使人有轻薄感，明度低的色彩则有厚重感。如白、浅蓝、浅绿色有轻盈之感，黑色让人有厚重感。因此，服装上白下黑给人一种沉稳、严肃之感；而上黑下白则给人轻盈、灵活之感。　　色彩的兴奋与沉静感：色彩能给人兴奋与沉静的感受，这种感受带有积极或消极的情绪。积极的色彩能使人产生兴奋、激励、富有生命力的心理效应，消极的色彩则表现沉静、安宁、忧郁之感。　　色彩的软硬感：通常来说，明度高的色彩给人以软感，明度低的色彩给人以硬感。在女性服装设计中为体现女性的温柔、优雅、亲切，宜采用软感色彩，但一般的职业装或特殊功能服装宜采用硬感色彩。　　色彩依附于特定的面积，位置以及形状而存在，因此色彩的面积，位置与形状必然与色彩对比产生一定的关系，继而对色彩的对比关系产生一定的影响。　　色彩没有对比就不会产生绚丽的色彩，但是对比过分就会产生不和谐的感受，既而对人的心理产生负面影响，因此对调和色彩之间的关系就可以使色彩更加赏心悦目。所以说秩序、和谐是色彩悦目的先决条件，在进行色彩构成训练时，要使对比的色彩成为刺激视觉的协调的统一整体，要使色彩符合人的视觉心理，要使色彩符合人的欣赏习惯等等。　　色彩在服装设计中起着先声夺人的作用，它以其无可代替的性质和特性，传达着不同的色彩语言，释放着不同的色彩情感，同时也起着传情达意的作用。服装色彩语言的组织需要多种因素的相互作用，才能达到合理的视觉效果，组成和谐的色彩节奏。色彩搭配是多种因素的组成和相互协调的过程，同时遵循着一定的规律。利用色彩之间原有相异的关系，运用搭配调和的原则，找出他们内在的规律、有秩序的相互关系。通过在面积大小、位置不同、材质差异等方面搭配，在视觉上既不过分刺激，又不过分暧昧，突出单纯、和谐、色调的统一。在单纯中寻求色彩的丰富变化，在和谐中求得色彩的明暗，产生平衡、愉悦的美感。　　除了社会习俗和审美需求外，某些行业的服装需要特殊色彩，以体现其特殊功能。例如，救生衣采用醒目的桔红色与周遭的环境色明显区别开；医院护士服采用柔和、洁净的白色或粉色调起到静气宁神的作用　　哥们我挺不容易的，给个采纳吧.....

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《美概》--论述艺术家的修养,艺术典型(素材) 齐白石 齐白石出身贫寒，(生活体验,艺术实践)作过农活，学过木匠，次年改学雕花木工，从民间画工入手，习古人真迹.(审美观念,艺术情趣)他成功的以经典的笔墨意趣传达了中国画的现代艺术精神，他深深得益于经典样式而又善于出新，故而他的画能够直接的感动人心他的山水画表达他对自己艺术创新的自信与深刻体悟，(艺术技能)他的人物画长于传神达情，他的书法简约大方、雄健浑厚的笔意融入人物画中，完善了人物内在的神情的表达齐白石主张艺术“妙在似与不似之间”；齐白石的画，反对不切实际的空想，他经常注意花、鸟、虫、鱼的特点，揣摩它们的精神,齐白石把生活中感兴趣的和较熟悉的一切事物统统都搬进了他的画面上。他的选材突破了单纯的民间画、学院画之间的森严界限，历史上从未有过任何画家具有他这种罕见的表现现实世界的热情，他把平凡普通的事物作为画材从而使自己的画达到了空前的丰富。 席勒出生于德国符腾堡的小城马尔赫尔的贫穷市民家庭他从小就有优秀的艺术天才，具有艺术大师般的敏感性及丰富的情感。1906年进入维也纳艺术学院，后加入“维也纳工作房”，成为维也纳分离派的一员 席勒童年时代就对诗歌、戏剧有浓厚的兴趣。 ，(生活体验,艺术实践)在军事学校上学期间，席勒结识了心理学教师阿尔贝，并在他的影响下接触到了莎士比亚、卢梭、歌德等人的作品，这促使席勒坚定的走上文学创作的道路。 除戏剧创作外，艺术技能这一时期席勒还和歌德合作创作了很多诗歌，并创办文学杂志和魏玛歌剧院。.(审美观念,艺术情趣)歌德的创作风格对席勒产生了很大影响 总体来说，席勒这一时期的创作是古典主义风格的，早年的浪漫激情已经几近消失。席勒和歌德合作的这段时间被称为德国文学史上的“古典主义”时代。 高更早年在海轮上工作，后又到法国海军中服务，可是高更在自己的绘画天赋召唤之下，35岁时辞去了银行的职务致力于绘画，38岁时与家庭断绝了关系，过着孤独的生活，并通过毕沙罗卷入了印象主义的天地。 高更总是向往着远方，留恋那些具有异国情调的地方，他要求抛弃现代文明以及古典文化的阻碍，回到更简单、更基本的原始生活方式中去，他很愿意过野人的生活，他总是强烈要求自我表达，要证明自己的价值。，提出艺术表现的“综合”。《 简化了的巨大形状，均匀单一的色彩，分割主义，无阴影的光，素描与颜色的抽象化，超脱自然， 《我们从哪里来?我们是谁?我们往哪里去?》 这是高更第二次来到塔希提岛的作品，画家贫病交加又丧爱女，决定在自杀前绘制这幅绝命之作。。在恶劣的环境中，以痛苦的热情和清晰的幻觉来描绘，因此画面看起来毫无急躁的迹象，反而洋溢着生气。没有模特儿，没有画技，没有一般所谓的绘画规则。”《br》 高更自己说他在画这幅画时是：“不加任何修改地画着，一个那样纯净的幻象，以致不完满地消失掉而生命升了上来，我的装饰性绘画我不用可以理解的隐喻画着和梦着。在我的梦里和整个大自然结合着，立在我们的来源和将来的面前。在觉醒的时候，当我的作品已完成了，我对我说：我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？”《br》 这幅画的婴儿意指人类诞生，中间摘果是暗示亚当采摘智慧果寓人类生存发展，尔后是老人，整个形象意示人类从生到死的命运，画出人生三部曲。画中其他形象亦都隐喻画家的社会的、宗教的理想，颇具神秘意趣。这幅画是高更全部生命思想及对塔希提生活的印象综合，是他献给自己的墓志铭。。高更始终在思考和创造，认为只有离开了现代文明喧闹的都市，来到这荒僻的野岛上才能真正地感受到大自然的恩赐和呼唤。他为自己的创作提出这样的主题，即表现出“在一些以大地的巨响为主角的构图中，让人类与动植物的生活共鸣”。 张艺谋冲刺性思维.主要作用着他的一种强烈的展现自我价值的欲望和刚强的个性.他没有乐天如命,知足不辱的思想观念.而是一种思想激进.思想倾于自我世界观.思想激进的他的一个优势,就是具有精神充沛,不安现状,勇于表现,打破常规把自己的价值最大限度的发挥出来的一个强者.这个思想意识.也就推动他有不断努力冲劲的主导线.所以成就了这么厉害著名的导演地位.但一方面他又具有叛逆的思想.这种叛逆性主要在日常生活中的个性体现出来.如"大男人主义的倔强性.固执偏激性.甚至不理别人的感受的浮躁性.导演影片《红高粱》，以浓烈的色彩、豪放的风格，颂扬中华民族激扬昂奋的民族精神，融叙事与抒情、写实与写意于一炉，发挥了电影语言的独特魅力 米开朗基罗先是以雕刻家的身份稳定了自己艺术家的地位。1499年创作的《哀悼基督》是他的成名之作，解剖学科的艺术实践和细致入微的匠心独运吻合了、甚至超出了人们可以理喻的"鬼斧神工"，被誉为15世纪最动人的人性拥抱神性的作品--出示了悲剧却掩饰了哀伤。这一时期的另一件作品是创作于1501年的《大卫》--神化的人形已经确立。米开朗基罗其后的一些雕刻作品是几组陵墓雕像，断断续续工作了很长时间，其中较为著名的是《垂死的奴隶》、《被缚的奴隶》、《摩西》和《昼》、《夜》以及《晨》、《暮》。米开朗基罗晚年未完成的四件雕刻作品实际上是在为自己设计墓地雕像，是一样的题材《哀悼基督》，形象既不明晰手工也不细腻，或许是在走过了八十多年的人生路程之后，在向世人诉说，不是人生的抱负无以施展，而是天国的奥秘藏而不露。米开朗基罗雕刻作品的风格形成和创作走向与其绘画作品的风格形成和创作走向是一样的线索：英雄气概磨难而成壮心不已的烈士暮年。早期的作品是其内心世界的表白，随后的一些作品表现为风格样式的定型，后期的作品仍然是艺术家的心情归宿。当时代的人们更多称道的是早中期作品中神人兼备明察的力度，后来的人们更注意其后期作品创作时悬而未决封闭的深度，美学的焦距不再是简单的对准艺术的创造物而是艺术家个人和作品之间、与现实之间纠缠不清的关系，现代艺术更是如此。 顾恺之的人物画，强调传神，注重点睛。认为传神写照，正在阿堵（指眼珠）中。其笔迹紧劲连绵，如春蚕吐丝，又如春云浮空，流水行地，皆出自然，通称为高古游丝描。着色则以浓色微加点缀，不求藻饰。他善于用睿智的眼光来审察题材和人物性格，加以提炼，因而他的画具有一定的思想深度，耐人寻味。顾恺之是继东汉张衡、蔡邕等以来所有士大夫画家中成就最突出的画家。他总结了汉魏以来民间绘画和士大夫画的经验，把传统绘画向前推进了一大步他认为“手挥五弦”尽管是很细致和难于掌握，但比之“目送飞鸿”的精神状态和内心活动的表达却要容易。在画论中明确提出“以形写神”的概念，其目的是达到形神兼备。“迁想”是画家观察对象体验生活中的揣摩、体会，以至构思，即想象思维的过程。“妙得”就是巧妙地把握对象内在的本质。“迁想妙得”要做到主客观的统一和作者与表现对象及读者相互间思想的交融。这些论点实为谢赫六法论的先驱。对后来的中国画创作和绘画美学思想的发展，有很大的影响。

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我对艺术本质的看法(艺术概论作业小论文) 何谓艺术？或曰艺术的本质是什么？从古至今的各种形态的艺术中有没有共同的某些本质性特征，如果有的话，这些特征又是如何将艺术与非艺术加以区别？什么是艺术的问题，亦像是什么是美的问题一样，无论在古代还是现代，诱惑了不少哲学家、美学家和艺术理论家来探讨、定义。 在《现代艺术学导论》一书中，强调了要找出一切门类的各种各样的艺术作品的共同本质特点并用一个定义加以概括是一件难事。而我认为，任何形式的艺术作品都有同样一个共同点那就是：任何形式的艺术作品都有其表达性，即它能表达其作者的想要表达的涵义。当然，这个涵义是广义上的，我指的是所有的艺术品都能传达给其他人一个或一些涵义，不管这个涵义是隐晦的或是肤浅的、稀松平常的。 稍作思考，我们不难发现，不管是《阿尔塔米拉洞穴壁画》、还是希腊人的《巴台农神庙》、还是杜尚的《泉》、还是设计艺术中的服装设计、广告艺术都包含有其作者的意思。举几个简单的例子来说明，例如，《维林多夫的维纳斯》，一件非常简单的原始人的雕塑作品，表达了原始人的生殖崇拜，这种生殖崇拜就是这件雕塑作品所要表达的涵义。所以，我们说《维林多夫的维纳斯》是一件艺术品。接下来的希腊古典时期的雕塑例如，《捞摺罚泶锪斯畔＠叭硕越】档南Ｍ匀诵吞宓囊恢稚竺拦邸Ｔ偻螅蘼硎降慕ㄖ物以其稳重、敦实的形体表达、显示教会的权威。到了文艺复兴时期，米开朗琪罗的《大卫》表现了大卫的力量和气势以及他的那种雄浑壮阔的英雄气概。17、18世纪的欧洲，迭戈·贝拉斯克斯的作品《英诺森十世》表现了英诺森十世的威严以及他善于权术的特点。19世纪，文森特·凡·高的作品例如《星夜》、《向日葵》表达了他狂热的内心世界。二战前西方现代主义开始兴起，绘画、雕塑、建筑等各种艺术作品都开始逐渐体现出其作者的个性以及其内心世界。如超现实主义的一位重要的艺术家——萨尔瓦多·达利，他的作品《记忆的持续性》，停滞的时间仿佛暗示了永恒。而二战后西方现代主义以及后现代主义的艺术家们的作品，其要表达的意义则愈发隐晦，让人匪夷所思。不过有一点我可以肯定，那就是这些艺术家们想通过他们的作品表达给人们一个涵义。限于我个人的理解能力与知识的缺乏以及篇幅问题，我无法就这些作品一一地做一些深入的研究了。 我想我还需要对我的“任何形式的艺术作品都有其表达性”这一句话补充一些说明和解释，因为它看起来似乎还不能解释一些艺术现象。假设有一件古代原始人的工具，这件工具对原始人来说是用石头和木材组合而成并用来狩猎用的，并非要借此想表达一个什么意思。非常平常的一件东西，肯定说不上是艺术品。当然，如果他们有“艺术”这个概念的话。几千年以后，当这件工具出土后，人们把它放进博物馆珍藏，并当成一件艺术品。这是为什么？仔细想想，将它从地底挖出来的是我们、把它放在博物馆的也是我们、去博物馆瞻仰它的也是我们，所以，其实是我们对其加工，将其变成一件艺术品的，它的创造者是——我们。我们要表达的也许就是对古人类智慧的敬仰吧。假设它没有被发现、被放进博物馆，那么，这件珍惜贵的艺术品将永远不会被创造。 另外，我必须要就“表达性”一词进行一些解释。“表达性”所表达的不一定是人类的情感，或是深刻的内涵，还能包括思想信息等，甚至任何东西东西都能被表达，即使它实际上不存在。其实，从哲学的角度上来说“实际上不存在”是相对的，举个例子来说明：有个聋哑人，天生的，从来没有听过声音，也从来没有人向他描述过声音，他周围的人也和他一样从来不说话只用文字来交流。总之，他觉得自己并没有和其他人不一样，在他脑海里没有声音这个概念。所以，声音对他来说“实际上不存在”。同样的，在艺术家们甚至是每个人脑海里，也许都有一些对其他人来说“实际上不存在”的东西，然后艺术家们将它们表达了出来，通过各种不同类型的方式，只不过，任何类型的表达方式都有其缺陷，如语言文字有其没有图像的缺陷、绘画有其没有声音的缺陷，总之，“实际上不存在的东西”无法被最真实地表达，这样的话，就出现了“一千个读者就有一千个哈姆雷特”的现象。我觉得这个能够解释为什么有些艺术家在回答他为什么要创造某一个作品时吱吱捂捂或着刚刚还是很肯定但是马上有更改的原因，这不过是因为语言文字的缺陷性而以。举个我个人的例子，我在“美国300年艺术作品展”上看到过一幅画，画面全部用黑色的油画颜料涂抹。我无法理解作者到底要表达的是什么，也许他要通过这幅画表达一个对我或者是你来说“实际上不存在”的东西。但它能引起我们的思考、共鸣。这种思考、共鸣据我的理解，就是《现代艺术学导论》一书中所讨论过的审美关系。 “我们认为，作为一件艺术品的东西，它和人发生了一种艺术的关系，为了避免说成是循环解释，我们说它和人发生了一种审美关系，或者是一种观赏关系。”“但我们在这里说的‘审美关系’，不仅是指人和优美的作品发生的一种心旷神怡的愉快关系（虽然也包括这种关系），就像美学不仅研究优美，也研究丑、崇高、悲剧这些不是优美的东西一样，‘审美关系’是一种广义的、开放的关系，既包括狭义的优美关系，也包括人和作品的一种关照态度、情感态度。” “界定艺术的审美关系由艺术意图、艺术作品、艺术环境（艺术世界）结构而成，在这种结构中作为审美关系主体的人，即艺术品的创作者、欣赏者、经济人、展示者都起着决定性的作用。” ——《现代艺术学导论》 《现代艺术学导论》给艺术的界定是：1艺术是以艺术经验为基础，发生在艺术世界中的审美关系的创造；2这种审美关系具有独创性、开放性和动态性的特征，其表现形式为再现关系、表现关系、形式关系、观念关系、文化关系和文物关系等。我认为这是狭义艺术观的界定，就广义的艺术来看，这种解释未免有些片面性和世俗化。主要问题在于审美关系的构成之一的艺术环境。难道一件东西必须要得到广泛的承认，它才能被称之为一件艺术品吗？例如，文森特·凡·高的作品，在他出名前就不是艺术品了吗？或者说，假设现在有一个“不入流”的艺术家，他的作品就不是艺术品了吗？艺术品一定是要摆在博物馆、展览馆里或是挂在富翁们家里的墙上的吗？它忽略了事物的发展性和概念的相对性。我认为广义的艺术的审美关系的艺术环境的最小范围是一个人和一件与之发生审美关系的“艺术品”，或者说某件东西对于某个人来说是艺术品而对于另外一个人来说的时候就不是了。总之，我认为艺术的概念是非常之广泛的。另外“艺术是以艺术经验为基础，发生在艺术世界中的审美关系的创造”。我觉得这句话说的非常好。“艺术是审美关系的创造”，即审美关系创造了艺术。说到这，我想到了艺术起源的问题，既然审美关系创造了艺术，那么审美关系就一定是先于艺术而出现的，但是，似乎审美关系仅仅只能在艺术面前才能被体现出来，这样的话就出现了一个悖论。我认为要讨论艺术的起源，先要讨论审美关系的起源，即审美关系是什么时候出现的、它的最初的表现形式是什么样的以及审美关系是如何创造艺术的等问题。要把这个问题讨论明白的话就要从很多方面来看待，如人类起源、美学、哲学等… 过于复杂的问题我不想多说。回到我提出的“表达性”的概念，它也是具有相对性的，还是以那幅全部用黑色颜料涂抹的画为例，假设我没有对那幅画进行任何思考，我就认为它不过就是一块用黑色颜料涂满的布而已，这时，它就没有向我表达任何意思了，同时，我和那幅画之间就没有产生审美关系了，它对我来说也就不是一件艺术品了。 总之，这篇文章可以用右图来表示。

急需艺术概论论文

设计艺术发展态势解析摘 要 设计艺术的发展推动了人类物质与精神文明的进步，人类社会的衍变也无时不刻地影响着设计艺术的轨迹。设计艺术对科技、社会文化变革的适应及可持续发展的可能性，形成了其进步的要素与架构。　　关键词 设计艺术 工业设计 社会文化　“设计不是一种职业，它是一种态度和观念，一种规划（计划）的态度观点。”——莫合力纳吉（Laszlo Moholy－Nagy）。“设计是包含规划的行动，为了控制它的结果，它是很难的智力工作并要求谨慎的关键的决策。它不重视把外形摆在最优先地位，而是把与之有关的各方面后果结合起来考虑，包括考虑经济、社会、文化效果。”——利特（德国乌尔姆造型学院）。设计从根本意义上讲是社会和文化思想的反映，因此设计艺术从某种角度上说，是一种对社会的理想。讨论设计艺术的发展趋势，先要看看人们对社会的理想模式，或要求、或幻象、或期望、或责任等。随着时代的变迁，设计的观念也在不断变化。21世纪的科学技术特别是网络技术的发展，使得设计的观念不断地发展，探索未知，为后工业社会寻找新的造型语言和艺术理念，就是说设计已经不再只是用自己的方法去研究世界，更重要的是设计研究科学的双重性的调和，即科技给人和人生存方式的影响及科技给社会带来的污染和危急。设计的观念决定了设计艺术发展方向，本文即从以下角度探讨了设计艺术在未来的发展态势。1 设计艺术的发展必须适应科技的变革人类的价值和思维方法的改变都是漫长的，但是一个国家的社会经济状况的发展思路与政策必然会极大地影响其发展。控制人口的增长和保护生态环境已成为我国必须坚持的基本国策。丹麦的设计师福林特（Niels Peter Flint）的设计观念能给予我们许多启示，他怀疑西方的物质享乐和消费注意价值观，主张从工业文明的物质享乐转变为非物质的过程，强调服务和无处不在的信息交换，他甚至向往东方的天人合一的思想。现在他正专心于“衍续”（sustainable）产品和建筑的观念设计研究，并开设了一家以自己的名字（flint）命名的商店，专门出售“衍续”产品。可以看出，工业设计的关键问题之一就是处理好设计观念与社会经济的关系，因此，设计与社会经济形成互动的关系是设计艺术发展的大趋势。从社会经济的角度讲，工业化是现代化的实质。英国的工业化开始发生于18世纪，西欧、北美的工业化都始于19世纪，到本世纪中叶进入成熟的高度工业化阶段；而其他一些地区，工业化的进程大都始于20世纪；对于广大发展中的国家来说，则始于第二次世界大战以后。因此工业化是一个世界化的进程，而且至今这个进程还远没有达到终点。工业化带来的是工业文化和工业文明，其本质是追求物质化。西方在达到高度工业化的过程中，一方面生活达到了一个新水平，另一方面也目睹了工业化带来的一切负作用。西方的许多学者提出，从工业化的物质文明向非物质文明转变的关键因素是信息技术。21世纪的设计观念是，从有形的设计向无形的设计转变；从物质的设计向非物质的设计转变；从产品的设计向服务的设计转变；从实物产品的设计向虚拟产品的设计转变。人类社会发展是呈现螺旋式的上升，后现代主义提出的科技与艺术的融合这一问题将在信息时代的设计中得以解答。随着计算机技术和网络技术的飞速发展与信息产业在经济生活中占的比重日益增大，从事具体的工业生产的人数在逐步减少，而从事信息业和服务业的人数在迅速增加。人们的需求重点从物质领域向精神领域转移。我们的社会从过去的“硬件社会”向今天的“软件社会”转化，人类已步入了知识经济的时代。新的技术又一次彻底地改变了我们的生活和思维方式，工业时代生产规模的庞大、集中、标准化向后工业时代的小型、灵活、多样化发展。产品的个性化和文化特色成为生产的重点设计的含义发生了质的变化，两种文化之间的对立走向融合，使得传统的功能主义的设计思想随着环境的变化而变化。在产品设计中，产品的形式与功能已没有必然的联系。随着信息社会的发展,单纯的科技主义文化已不能满足人类的精神文化需求。设计已变成了一种融合科技与艺术的综合学科。新的设计形态已出现在我们的生活中，设计的产品也成了一种时时变化着的东西，通过这种产品设计师与顾客进行互动式的交流。例如多媒体设计、虚拟空间的设计和网页设计，它们的传统形式已不复存在，纸张、油墨、装订线已变成了各种电子线路，更为重要的是它们已不像一份报纸、一本书那样摆在我们面前纹丝不动，而是在屏幕上闪烁着各种光芒，变换着各种造型，每当你按下一个按钮，将会出现一幅新的场景与新的文字，它们将按照你的要求，提供给你不同的功能：查寻资料、浏览网站、了解产品、发送文件。在这里，任何一成不变的思维方式和衡量标准都显得毫无意义，设计师同时也是艺术家，它将充满感性地去探索未知的世界，为人类创造一个更加合理的生存空间，在更高层次上使人与自然和谐相处。2 设计艺术的发展必须符合社会文化背景设计离不开庞大的哲学思想，离不开悠远的民族传统，因为那是孕育它的土壤。儒、释、道是中国传统文化的三大要素。每一个中国人所受的教育均以这三种为基础。倘若对这些基本思想缺乏深入了解，但却试图透过设计来传递这种思想概念，结果就会如同水中捞月一般。在人与自然的关系这一概念上，东西方的哲学体系有基本的差异。在西方而言，特别是自文艺复兴时期起，人类已被视为大自然的主宰，甚至可以控制大自然，因而导致后来兴起的工业革命，以及各种卓越的科技发明。可是，在东方来说，人类往往视为大自然的一部分，并且不断努力寻求与大自然的协调。我们这个以西方为主导，竞争激烈的消费社会，往往欠缺安稳；而东方哲学体系所灌输的和平安静思想正好弥补了这方面的不足。例如在中国的传统艺术中，空间构成的意识、生命力的节奏与韵律、线面的有机结合，诗中有画、画中有诗的意境……这种种充满活力的造型，体现出人与自然和谐相处的理想境界，而它们恰恰是承载东方文明的载体。这些造型不是单纯的再现已知事物，也不是纯粹的主观的幻想，而是以科学思维所不能替代的直观感受在未知的人类的精神世界和外部世界中的探险。它记载了我们的祖先在漫长的岁月里为了生存的勇敢行为，以及由此产生的深刻的审美观和哲学观，因而这些造型是富有生命力的、是永恒的，是整个人类的精神财富。先进世界资讯发达，社会及文化发展渐成一体化。当代设计艺术的发展趋势必然立足于本土文化和思想基础，将精髓融汇于现代思潮中，丰富我们的生活，成为一个多极化的现代国际文化体系。伴随着西方工业文明的思维方式和审美体制的逐步瓦解，经济发展的中心从西方向东方转移，已有学者预言21世纪将是亚洲的世纪，以儒家文化为基础的东方文化价值观重新焕发了新的生机，把握住历史的契机，站在新的高度对中国传统哲学观、美学观的再认识是中国设计走向世界的道路。设计是文化的设计，而不仅仅是流行的色彩与块面的罗列与拼凑。对西方现代设计思想的借鉴是在传统审美基础之上进行的。在设计实践中对中国传统绘画中的构图原理和平面化特征以及画面中各元素之间力的平衡的研究是发展中国设计重要内容之一。在传统绘画的构成中讲究“经营位置”，也就是说在平面化的效果中注重各部分的和谐与完整，各种元素之间力的关系力求达到平衡，即各种元素的力度包容在整幅画面中，“内容即使繁杂，也统一于意境”。同时，对传统构图中的“立与破”的辩证关系和传统笔墨效果的吸收与借鉴也是重要的课题。3 设计在未来的挑战之一是持续发展的可能性从长远角度看，最好的生态产品将会成功并控制市场。现代社会中越来越多的问题困扰着我们。自然资源迅速减少，环境污染公害增加，这些不稳定因素导致西方工业经济衰退。保存资源、保护环境和生态要求成为迫切要解决的问题，例如探索新方法解决垃圾处理，以减少污染，节约原料；改善产品结构，使其可修理；使用无废料的太阳能；节约用水设计等。格鲁斯（Jochen Gros）于1975年提出“有意义的功能”理论，设法跳出自然科学思想的目的理性，倾向于人文科学思想方法，尤其是知觉心理学，它在德国首先提出再生循环处理设计思想，这种设计思想即生态设计。在工业文明的发展过程中，人类中心主义的过度扩张造成了严重的环境问题，这促使人们重新思考人类社会的发展模式。在探索的过程中人们提出了可持续发展的思想，认为当代的发展不应该损害后代的发展权利和机会。目前，追求人类文明的可持续发展已经在全球获得广泛的共识，许多国家都根据本国的实际情况制定了体现可持续发展思想的发展计划，《中国二十一世纪议程》就是我国可持续发展战略思想的集中体现。与农业和工业经济相比，知识经济是以科技和信息作为经济发展的原材料，是建立在人类智力或智能充分发掘与利用基础之上的，不会对自然资源采取掠夺式的开采和应用，进而产生对人类生存环境的破坏，相反，它要利用科技手段去保护和改造自然环境以维护生态平衡，追求经济效益。社会效益和生态效益的统一使自然环境更有利于增进人类的健康发展，从而使现代人类社会进入可持续发展的轨道。变革是持续不断的，设计也是在不断变化的。我们要探讨设计艺术的发展趋势，必须明白设计是一个边缘学科这一本质，在人类科学与文化都在进步与革新的时代，对于作为艺术与科学、物质与精神、人与环境和谐之纽带的设计艺术，变是永远不变的原则。

大学艺术概论结课论文

　　大学的艺术概论是高等艺术院校学生的一门专业基础理论必修课,是对艺术的基本原理、知识及相关问题进行系统化专门性研究的学科。下文是我为大家搜集整理的关于大学艺术概论结课论文的内容，欢迎大家阅读参考! 　　大学艺术概论结课论文篇1 　　浅谈艺术图形符号应用于商业广告中的重要性 　　在人类语言产生之前，人们记录和传递信息的方式主要依赖于艺术图形符号来完成。从结绳记事到象形文字的产生，图形符号不断被运用和发展，这奠定了艺术图形设计的基础，使这种源于人们生存需求的符号发展到现阶段形成了一种独特的符号学。在目前的商业广告中，艺术图形符号在广告领域起着决定性作用，其在特定的环境中能够明确展现出商业信息、性质及原则等，是商业广告的重要组成部分。那么，艺术图形符号具有什么象征性，在商业广告应用中具有何种重要性，笔者对此问题进行探讨。 　　1. 艺术图形符号的象征性 　　图形符号是人类发明的一种语言，是为了传达事物信息的载体，能代表某种事物。在商业广告设计中，艺术图形符号主要包括下述几种：传统图形符号、自然图形符号及抽象图形符号，不同类型的图形符号具有不同的象征性。 　　1.1.传统图形符号的象征性 　　传统图形符号是随着人类社会的发展，为了满足人类自身需求而逐步形成的某种定式，通常具有祈福驱祸、祈求吉祥的象征意义，如兽纹具有等级和尊卑的含义、龙是帝王的象征等。其象征性具有包括时间性、地域性、文化性，时间性表示过去古老的、历史的、沧桑的;地域性是指国家的、民族的等;文化性是指不同地域具有的典型文化。 　　1.2.自然图形符号的象征性 　　自然图形符号通常来源于自然界，并非人为创造的，而是自然界本来就存在的。这种类型图形种类繁多，不同的类型具有不同的象征性，通常根据其外在样式和特性象征和其类似的概念或者意图，如树的年轮文理象征时间、蜂窝象征结构、建筑等。 　　1.3.抽象图形符号的象征性 　　抽象图形符号分为规则和不规则，通常根据其外在样式象征人们的某种视觉心理，如正方形象征可信、坚实等;三角形象征层次、锐利;不规则几何图像象征波动、扭曲、激动及噪音等。 　　2. 艺术图形符号在商业广告中的重要性 　　2.1.能有效传播信息 　　从传播学角度来说，艺术图形符号应用到商业广告中，既能有效的承载信息内容，又能有效的传播信息。在商业广告中，不论是影视广告制作还是平面设计，使用艺术图形符号的主要作用是传递商品的相关信息，以构建和消费者之间的联系。与文字相比，在商业广告中使用艺术图形符号具有“与象共生，与意同行”的特征，既能最大限度的还原并美化广告商品的造型，并能带给消费者明确的视觉感知。除此之外，就象征意义而言，艺术图形符号更容易和消费者的视觉认知产生共鸣，通过商业广告中的艺术图形符号，消费者不仅能感受到商品的美感，还能体会到其中的深刻内涵，大大增强了广告画面的视觉效果。 　　2.2.能有效传承民俗文化 　　艺术图形符号的设计和文化密不可分，通过独特的表现形式承载人类社会的文明和审美观念。在现代商业广告设计中，设计师通过灵活多样的表现技巧，能够有效的将图形符号的象征性和企业产品的形象实现完美对接，这样不仅能使消费者对历史产生回忆，又能将民俗文化融入到企业文化理念中，进而建立强大的社会公信力。如民族传统食品广告，设计师设计时既要掌握消费者的心理，又要融入传统民俗文化，更关键的是通过图形符号将传统文化优美的展现出来。如中秋节的月饼广告，其中有两大图形符号：月宫仙子和月饼，前者表示嫦娥，后者表示食品。这种巧妙的图形符号组合，即传统了民俗文化，也宣传了月饼的美味。 　　2.3.能促进销售 　　现代商业的广告设计，对刺激消费心理、引导消费方式和观念、传播消费文化等具有十分重要的意义。设计师在进行广告设计时，为了更好的实现将商品的功能、审美与消费理念进行对接，通常借助丰富的意向图像符号塑造美好的观念形态，以获得消费者的价值认同和情感共鸣。通过设计师的精心处理，艺术图形符号展现了一种近乎完美的观念形态。消费者看到这种广告时，能从精神和物质生活得到一定的满足。如房地产广告中，设计时将住宅区优美的环境、超然的生活理念以艺术图形符号的形式展现出来，与消费者的需求近乎一致，这能使消费者产生消费的冲动。 　　2.4.具有审美体验和精神满足功能 　　在商业广告中，消费者对于艺术图形的审美，是从视觉冲击再到情绪变化，最终反应到行为中。就商业广告的传播意图来说，主要是为了将商品信息通过艺术图形的方式传达出去，采用这种艺术性传达的方式能够有效调动消费者的审美情绪，激发消费者对美好生活的向往，最终刺激消费者进行消费。就消费者视觉感知来说，对商业广告中艺术图形符号的审美体验是从视觉愉悦再到情感共鸣，最终到心灵升华的一个过程。 　　消费者审美的愉悦和精神满足类似于“连体婴儿”，一旦满足其中一方面，另一方面就很容易被满足。现代商业广告的设计日益重视审美和精神的有机结合，同时也将产品的功能、品质及民俗文化融入其中，使消费者在认同艺术图形符号所展现的审美和文化价值时，也能满足其精神需求。 　　3. 结束语 　　综上所述，艺术图形符号在商业广告中具有十分重要的作用。随着时代的变化，商业广告的艺术图形符号也发生巨大的变化，设计师在广告设计时要将艺术图形符号与现代科技紧密结合，并与空间环境相适应，以便在能实现功能的同时，也带给消费者愉悦的享受。 　　大学艺术概论结课论文篇2 　　试谈当代珠绣艺术在城市家居装饰中的价值体现 　　一、引言 　　“中国珠绣文化在某种程度上已经成为一种传统，一种传承的力量”。珠绣工艺的运用在各个方面，可以运用在各类具有特色风格的城市家居设计中。珠绣的材质具有特殊性，可展现出浮雕的效果。珠绣是传统的手工技艺，是工艺师将美丽的珠粒精致地手工缝合，再采用一定的处理手法而制作成的珠绣，直至达到作品的完美效果。 　　二、珠绣艺术的作用与特点 　　珠绣工艺是把多种色彩的珠粒或珠片，经过专业绣工纯手工精制而成。珠绣的材料丰富，大致有珍珠、玻璃珠、珠片、珠管、人造宝石、水晶、亚克力以及一些非常规材料。珠绣家居装饰的特点是富丽堂皇、精致完美，具有有浮雕的视觉效果。其次，珠绣可以改变材料的肌理感，从而打破原有材料本身的质感和触感，使其在城市家居装饰等各方面中有更好的体现。 　　三、珠绣艺术在家居装饰材料中的选择 　　(一)珠绣的装饰要求 　　珠绣家居装饰的用料有涤纶、仿真丝、毛织物等面料。缝合上绣珠的面料靓丽而有动感。而缝合上亮片的毛织物与亮片形成强烈的对比效果，光彩夺目。珠绣家居装饰制作是先将图案拓印在家居装饰材料上，然后上再采用镶嵌和挂饰等手法处理。高档的珠绣是在装饰材料上做大量的图案构成组织。一般的珠绣则只做珠片小点缀。 　　(二)珠绣家居装饰中的色彩搭配 　　珠绣的色彩搭配应该与家居装饰的风格一致。不管是进行类似色和互补对比色的搭配组合，只要在整体风格上与家居装饰风格保持一致性就可以。但品牌家居装饰设计常常按照系列来进行表现，在销售门店也是以系列效果来销售的，所以珠绣家居装饰的色彩需要与系列感的要求来完成设计，需要注意珠绣家居装饰材料的色彩和整体设计风格的完美结合。 　　(三)珠绣对家居材质的要求 　　清新的家居装饰就不宜使用太重或感觉沉闷的材质，也不需要运用太多的亮片等材质，以免破坏家居装饰的整体效果;而适合浓郁色的的家居产品常使用厚重的材料，选择大颗粒的珠绣材质，以表现出特色家居装饰的视觉感;民族风格家居装饰则适合天然的木材绣珠、彩钻等来点缀;而需要表现富丽的家居装饰效果等则可选择带有金、银色的水钻、亮片完成装表现的效果。 　　四、珠绣的在家居装饰中的表现形式 　　(一)打散与组合 　　在常规的家居产品装饰部件进行再次设计，对设计元素进行打散再次组合的方式。运用人们的恒定思维模式去反向设计研究，使家居产品体现出时尚前卫的表现效果，能够体现出家居产品另类的特点，绣珠的的变动方式越大，跟常态家居设计的反差更能给人视觉冲击力。由于家居装饰的形式人们常常用定向思维思考，所以这种变形能够引人们的关注与青睐。 　　(二)重复与排列 　　家居装饰设计中运用某个元素重复的排列组合，产生深刻的视觉冲击效果。 我们常常看到，单位元素的反复重复的出现有力量和节奏感。重复可以元素反复出现而加深人们头脑中的印象。绣珠在重复可以是将单一的形式，也可以是组合后图案再重复出现，视觉的震撼感会更为有效果。 　　(三)夸张与个性 　　在家居装饰设计中装饰对象的特点，在设计通过体积，大小数量等方面的夸张来彰显性特点。夸张是把设计对象的特征进行强调。夸张手法在家居装饰设计中非常多，绣珠中也可以灵活的进行展示，可以达到不错的审美效果，绣珠可以在数量上的进行夸张，夸张的对象除了装饰材料以外，还可以对家居装饰的细节部位做适当的夸张变化，体现出具有个性特征的整体效果。 　　(四)聚散与完整 　　绣珠的分散是分解组合的构成手法，将完整的部分进行分割成小的部分，然后再进行装饰组合。分散后的部分和原型部分不同，这些元素之间又有着相互相同的地方，统一之中有着一定的变化。分散与组合的手法在家居装饰中多通过图案组织形式的变动来体现。解构主义风格的家居装饰是打散构成的方式，以家居装饰对象完成打散后再重新组合出新的形象，使得家居装饰具有视觉冲击效果。 　　(五)对比与和谐 　　将家居装饰的整体与局部进行有序的排列对比，局部与局部之间的比较。运用在家居装饰设计中，就是指家居装饰的细节元素与整体家居装饰的比较，使得其视觉上具有和谐的效果。 　　五、珠绣艺术在现代家居装饰中的运用 　　(一)珠绣艺术的绣法要求 　　绣珠的大小材质的要求，绣珠绣时选择绣珠很关键。在完成绣的工艺时候选择大小体积均匀的材料，大小不同的珠子会影响最终的大效果。绣珠的方向，绣珠绣时要求所有珠子的倾斜方向必须保持一致，才会有光泽感。起针点要求，绣珠绣时通常是以图案的最下面一排(左下角或者右下角)为起针点。起针要求，起针时，先将绣线尾部打结，在绣布背面穿过几针(注意不要穿透到正面)后从直针点穿出。收针要求，绣线快用完时，将针穿入绣布背面，在绣布背面穿几针，然后直接剪断即可，且必须再打结。注意尽量少在绣布上打结。 　　(二)珠绣在婚礼家居装饰设计中的运用 　　手工珠绣表露奢华精致，无论时间怎样沉淀，婚纱家居装饰上的手工珠绣工艺都是爱美的人们追捧的宠儿。其中创意狐， FARAH KHAN等最常用到珠绣艺术设计。以新颖别致的传统工艺手法，绣制光彩夺目的立体图案，带来富丽堂皇的奢华感觉。绣、花边、烫钻、珠绣、毛皮等一切华丽的装饰主义都会集于她的设计之中，或妖艳、或怪诞、或颓废、或复古，配合人体优美曲线，显得高贵典雅，扑朔迷人，如图1所示。 　　(三)珠绣在中国风家居装饰设计上的运用 　　近年来，一股强劲的中国风在家居装饰设计界越吹越猛。几千年传承的文化精华，成为设计师们创作设计永不枯竭的灵感之源。2015年高级家居装饰设计发布会在北京饭店金色大厅举行。家居装饰设计设计可以高度概括为五大特征：以“礼”为魂，以“锦”为材，以“绣”为工，以“国色”为体，凝汇呈现数千年华夏家居装饰设计的文明，开创现代中国特有的一种家居装饰形象，延续了“贯通古今，融汇中西”的中华精神，将宋代淡雅高贵、简洁婉约的家居装饰文化与轻盈通透、色彩柔和的2015年国际流行家居装饰趋势精妙融合，展开了一场关于美学与历史、繁花与诗画的精妙对话。飘逸轻灵的设计，淡雅高贵的色彩，缂丝、织锦、印金、刺绣等中国传世绝艺让家居装饰都令人目眩神迷，堪称经典与时尚完美融合的力作，如图2所示。 　　六、结语 　　珠绣艺术对于现代家居装饰的设计作用巨大，其锦上添花的艺术效果，永远备受人们青睐。作为家居装饰新兴的装饰手法，珠绣的手工技术日渐丰富，其装饰图案、色彩、材质也受到流行趋势的影响。在现代家居装饰设计中，随时关注流行趋势，把握审美需求，利用家居装饰不同的质感与工艺，巧妙的运用珠绣装饰图案、色彩、材质的不同造型手法和特殊工艺手段进行设计，根据不同的装饰题材与设计手法丰富家居装饰的面貌，使珠绣在家居装饰中更有时代感和感染力。了解珠绣在现代家居装饰中的应用及手法，不仅认识到珠绣在家居装饰中的重要性，而且也是对中国传统手工艺术的一种传承和赞许。 猜你喜欢： 1. 艺术概论论文 2. 运动艺术概论论文 3. 对美术概论的认识和思考 4. 大学毛概课结课论文 5. 艺术鉴赏论文 6. 环境艺术概论论文

艺术概论理论课课程论文

艺术一词给人一种至高无尚可望而不可及的感觉，而通过艺术概论课程的学习，我才真正对艺术有所了解。我选修艺术概论这门课主要是想通过该课程的学习来提升自己的艺术欣赏水平，结合所学专业来进一步提高自己的专业水平。 什么是艺术，恐怕这个问题没有一个绝对真理的答案。我想艺术大底是“人类社会最复杂的精神创作之一”，“是通过塑造形象，具体的反映社会生活表达作者思想情感的一种社会意识形态”。艺术具备了形象，反映生活，表达思想情感，社会意识形态这四大特征。能够称为艺术的物品必须是高超技艺的人造物，能够真实深刻的反映社会生活，有较高的精神文化，特别是审美性质，它还必须参与社会生活。 而艺术概论课程，作为一门选修课，除了学习了解有关艺术的理论知识外，我想更重要的意义在于提高我们的欣赏能力和审美水平，提升我们对艺术的理解。艺术概论是一门全面、系统、准确的阐述辨证唯物主义艺术观和方法论的课程，是对多种艺术门类的共同本质及普遍性规律的概括和总结。通过对艺术概论课程的学习，我可以用理论知识为后盾，更好地欣赏分析艺术作品，提升艺术欣赏水平才会成为可能。我们学习艺术概论，就是要建立科学的艺术观，指导我们的创作实践，指导我们的欣赏、评论实践，也可指导我们对其它理论的学习和研究。 艺术作品是真善美的结晶，一切美的光是来自心灵的源泉，没有心灵的映射，是无所谓美的。瑞士思想家阿米尔说：“一片自然风景是一个心灵的境界。”中国大画家石涛也说：“山川使予代山川而言。……山川与予神遇而迹化也。”艺术家禀赋的诗心，映射着天地的诗心。《诗纬》云：“诗者天地之心。”美的愉悦感来自人类文化意识。优美所评价的是表现和形式，而深刻和崇高，作为审美价值，却体现了艺术在文化中的价值品格和价值理想。这如黑格尔《美学》中所言，“在艺术里，精神内容和表现形式是不可分割的。” 艺术家们无不把体现着“历史理性”的“真实”视为艺术的生命，表达的真实是作品成为杰作的前提，艺术作品美不美就看真实于否，而艺术的真实性通过艺术形象来表现。 下面我就运用学过的理论知识来谈谈文学作品中的艺术。 在顾长卫导演的电影《孔雀》中有镜头很让我难忘。全家人挤在一张小方桌上吃饭，分糖时姐弟都盯着糖生怕分少了。在我看来，当人的生存状态降低到本能的时候，一切美好的、高尚的东西将不负存在。 张艺谋导演的影片《大红灯笼高高挂》是根据舒童的小说《妻妾成群》改编的。在小说中陈佑千不断的娶妻，他的纵欲把生殖作为历史的根源和动力，儿子飞浦却是同性恋者，由于生殖的紊乱，家族乃至历史衰败的命运不可逃脱。舒童运用西方唯心主义历史观在小说中对男权文化进行了深刻的批判。同性恋儿子飞浦，他怕女人，不娶妻生子，香火中断，这象征了封建制度的衰败。舒童这样写有很强的改革意识，在作品中结构了男权文化。 在《香草天空》这部影片中，男主角大卫（汤姆·克鲁斯饰）是一位花花公子，大卫英俊富有，风度翩翩，能业善道，几乎具有了所有让女人意乱情迷的吸引力。他两次对着镜子拔白头发，朱丽叫他“大帅哥”他就高兴，正体现出了大卫的自恋心理。在大卫家中有一张父亲的巨照，在他家公司里有七个小矮人总限制他掌管公司的权力，都体现出反叛父权的权威和威胁。 以上就是我对艺术作品的一点浅见，也是我对这几部作品的个人的艺术欣赏。作为一名汉语言文学专业的学生，通过艺术概论课程的学习，可以使我更好地理解文学作品中的审美价值追求，理解文学作品中的艺术，对影视文学课程的学习也大有帮助。将专业课程与选修课程相结合，互为补充，可以更好提高我的专业课水平，提升对作品的欣赏鉴赏能力。通过不断的努力创作出优秀的作品。要提高艺术欣赏能力除了要掌握艺术理论知识外，也要多听、多看、多思。“观千剑而后识器”，“操千曲而后晓声”，学用结合才可以更好的提高艺术欣赏能力。这就是我学习艺术概论课程的几点想法和收获。

服装设计系—艺术概论论文

　　【摘 要】 我们应把现代服装设计作为一种文化标志来对待，它不再仅仅限于御寒的工具，而是高质量生活的体现。所以它理应由它的专属名称——品牌。　　【关键词】 品牌效益 服装行业 市场需求　　作为衣食住行之首，毫无疑问，中国服装行业是个永远的朝阳产业，因为人类对服饰的追求永远没有止境。如今，随着经济生活水平的发展，人们对服装服饰类产品已有着越来越高的要求，服装不仅仅是要求能蔽体保温。谁都会希望自己拥有更多的漂亮、健康、个性化的衣裳，而且由于服装类产品更新换代的时间又比较快，所以服装市场的蛋糕将会越来越大。而中国服装行业要真正强大起来，必须创造世界级品牌，借助品牌效应可以形成具有无限活力的无形资产，在市场竞争中发挥巨大的作用。　　就品牌而已，中国服装在世界级的品牌上是少之又少，而世界服装品牌的制作和包装的过程绝大部分是在中国完成，也就是说，设计他们一直在做，而我们仅仅限于工艺。这对于一个国家而言是远远不够的。　　但就市场来看，中国是世界上最大的服装消费国，同时也是世界上最大的服装生产国，但中国服装产业整体发展很不平衡。广东、江苏、浙江、山东、福建、上海等东南沿海省份所生产的产品占据了全国80%以上的市场份额。而中西部地区的服装产业则还非常的落后。各服装企业之间的竞争也还停留在比较低层面上，主要还停留在价格、款式等方面的竞争，绝大多数服装企业的产品销售还是以批发市场的大流通为主。而近年来服装企业的品牌意识虽然不断加强，但中国服装行业目前还只有有限的几个中国驰名商标，还缺乏真正意义上的国际服装品牌，主要还是通过低成本优势在与国际品牌进行竞争，所以就这方面来说，中国服装品牌还有很大的发展空间，当然相应的也有很大的困难要解决。而且，中国服装企业结构链停留在传统设计管理的模式，由于设计手段多停留在纸面放样的落后阶段，设计周期长，试制成本高，造成新产品创新能力弱，新品开发周期长，就不容易发掘适销对路的产品，进而造成库存积压，影响资金周转。服装的新产品周期(设计、成衣到进入销售)工业发达国家平均2周，美国最快4天，而我国平均是10周时间，差距非常明显，这是需要时间来改进的。　　在服装设计方面，我认为，设计不是创造而是创新，这是个根本性的区别，我们的设计从来就不是创造出来的，创造是从没有到有的过程，而我们真正在做的是创新，在面料上的改造，在质地的考究以及在款式上的不断试探等等。对于现在的状况，如何把握服装的要领，打造自己的品牌关键在于如何与其他品牌区分开来，关注消费群的需求，在市场上占引领上风。国内许多大规模的服装企业，实际上是典型的“加工型企业”。其生产能力相对较强，设计能力和营销能力相对较弱。这类企业对生产管理和成本核算相对重视，但由于市场营销能力比较薄弱，难以承受较大的市场波动。同时，由于设计能力不足，也限制了这类企业的市场发展战略。所以，企业应该有强大的设计开发能力和市场营销能力。这种企业的结构好象是一个杠铃，中间是生产开发和生产管理，两端是设计和营销，企业的运作就像杠铃一样，紧握中间的管理去平衡两端的能力，用两端的力量来显示企业的实力，这种企业的综合开发能力强，有很强的市场竞争力。服装企业由被动市场型的橄榄结构升级为主动市场型的杠铃结构，必须得到相应信息技术的全方位支持。　　就中国服装行业的现状分析来看，其最为成熟和稍微具备国际竞争力的当属男装和羽绒服，这片领域诞生了杉杉、雅戈尔、波司登、雪中飞等众多的知名品牌，集中了好几家上市公司，他们品牌实力较强，规模和竞争力都处于服装行业前列。而女装、童装、睡衣等市场则相对发展还不成熟，强势领导品牌还很缺乏。　　还有，服装企业的现状是以往计划经济体制下形成的“以产品为中心”的经营理念造成的，产品往往是先制造出来再强加给消费者，消费者没有挑选的余地。随着经济改革开放，物质生活逐渐丰富起来，消费者有了更多的需求，“顾客就是上帝”，服装企业的经营理念也逐渐转变为“以市场为中心”，开始意识到生产畅销对路的产品了。　　所以在众多劣势的情况下，服装品牌效应越显重要，新时代的发展使服装企业以服装产品的功用为主要卖点的现象已经“过时”。服装品牌的广告作为一种长期被企业青睐的宣传方式一直没被冷落。新的服装现代广告已是人们生活中衣食住行一个重要的影响因素，现代人在购买服装的时候，一般都会选择那些有广告、有品牌的产品，感觉这些产品比较可靠，有保障，甚至可言穿衣穿的是一种品味。　　面对这样的压力，我们如何打造世界级的中国服装品牌呢？　　纵观世界服装工业大国的发展历程，不外乎三个阶段：第一个阶段来料来样加工；第二阶段占领国内市场；第三阶段打造出本国服装的世界名牌。不论从内在需求还是外部压力的角度看，中国都应迈出这关键的第三步。21世纪的服装理念已经大大区别于上个世纪，从蔽体的基础作用到今天的彰显身份地位，从追赶潮流到张扬个性、体现新文化，服装的作用发生了本质的变化。凭心而论，我国目前仍未有如夏奈尔，LV，三宅一生等之类称霸世界的服装品牌。　　就品牌定位来说，一定要有明确的定位，国内品牌核心价值定位相对来说模糊，缺乏灵魂。比如品牌雅戈尔（YONGER）从取名看是定位青春，但它却想卖给中国所有的男人，它在全国有2000多个专卖店，渠道覆盖几乎所有大中城市，甚至落地到内地所有城镇，大有实现“村村通”之势。杉杉只扔下一句“不要太潇洒”的“主题”广告语，让人匪夷所思，无法认同。其它正装也没有让人产生共鸣的核心价值和口号。倒是体育服装和休闲服装有那么点意思。李宁的“一切皆有可能”和美特斯.邦威的“不走寻常路”虽有抄耐克的“和不可能说再见”的嫌疑，但已经让中国的一些消费者眼前一亮。　　因为没有明确的核心价值定位，我们就不难理解中国的服装品牌没有鲜明的个性，没有一脉相承的风格。所以明确的定位是品牌的核心内容。　　再就是形成特有的服装文化，提高设计水平，提升产品附加值。文化支撑着品牌的丰富内涵，品牌展示着其代表的独特文化魅力，文化与品牌相辅相成，相映成辉，没有文化就不可能创造品牌，更不可能成就名牌。雅戈尔服饰公司董事长李如刚表示：“雅戈尔要稳步提升品牌附加值，每年销量递增10%，打造成百年企业。”品牌是服装最大附加值的体现，品牌又是靠服装文化和设计水平来支撑的。所以必须通过挖掘民族的、东方的服装元素，以增强品牌的特性和个性，充分提升品牌的影响力和附加值。我国有7000年服装文化史，丰厚的文化底蕴应该是中国服装设计师灵感的源泉，是建设未来时装王国的砥柱。特别是我国56个民族服装服饰，更是取之不尽、采之不绝的创作素材。意大利时装设计大师瓦伦蒂诺说：“在我们这个时代，没有哪一位艺术家在创作时能够不被中国艺术遗产的永久魅力所牵动。”作为一个中国人，我们更没有理由不重视自己民族的丰富遗产。　　提起美丽的意大利及法国，人们的第一感觉是什么？是浪漫、是情调、是香水、是服装。贴有意大利、法国的服装品牌已经成为了区位品牌、概念品牌。同样的，提起“皮尔.卡丹”、“范思哲”又是什么概念呢？是世界超一流的设计大师，是时尚服装的鼻祖。想必每个爱美的女性都会认为，出自一流大师之手的作品也必然是传世之作。这就是服装最大的价值——附加值。　　当然社会的环境也是重要的一部分，创建世界服装名牌是全社会的共同责任，各级经济管理部门要从自身的职能上，找准服务的着力点，支持服装企业实施名牌战略。加强名牌知识的深度宣传，增强服装企业名牌意识，引导企业实施名牌战略，有效地借鉴和学习外地创名牌的成功经验和做法。要健全争创服装名牌的激励机制，调动企业争创名牌的积极性。要完善服务体系，为企业运用现代营销手段创造良好条件，使优秀品牌地在海内外响牌扬名；要加大执法力度，切实保护名牌服装，维护名牌服装生产企业合法权益。要打破地区封锁、促进名牌产品流通，认真查处假冒侵权案件，加大处罚力度，保护企业创名牌的积极性。服装行业的其它配套企业要努力改善自己的生产条件，提高生产技术水平，争取为服装生产企业提供高品质的面料和辅料。营销和广告策划公司应和服装企业大力合作，共同打造世界品牌。作为我们消费者，应该大力支持国内品牌，国内的品牌只有卖的更多卖的更好，才有更多的资金去谋求更远的发展，才可以打造我们自己的世界品牌。　　现在随着传媒的不断普及，人们的信息来源越来越多，给各个行业带来了很大的商机，广告成了我们不可缺少的一部分。服装品牌广告的主要作用在于传达品牌文化价值和品牌形象, 通常出现在时尚杂志、影视媒体以及户外广告等载体上, 色彩丰富, 制作精良, 视觉表现力强。并随着经济的不断增长，服装品牌广告在数量、质量上都有了很大的提高。　　服装品牌广告基调必须与服装品牌理念相协调，为了清晰地传达特定的品牌理念, 一方面需在广告中突出品牌标志和广告语, 另一方面可以建立相对固定的广告色彩特征。其中广告色彩应用中首先需要巧妙地强调标准色, 可以在图像中占据相对固定的位置和比例, 并且在一段时期内, 广告画面主体及背景的色彩关系可以具有固定特征, 与其竞争品牌保持一定差异。　　我们希望我们的设计是围绕市场和链接未来风向的，而这个定位不是潮流的浪尖而是在市场中长期的存在，使之形成品牌效应。　　参考文献：　　丛 杉 。高级时装的品牌延伸策略及对中国成衣发展的启示。2001　　上海国际服装文化节国际服饰论坛论文集　　姚钟华，张涛。世界著名服装品牌的市场定位策略。企业经济，　　1998,(1!).　　刘 晓 刚，陆乐:李峻。服装设计与大师作品。中国纺织大学出版　　社，2000.　　夭 然 。国际营销。北京:经济日报出版社，1997.　　肖 强 。中国服装市场分析与前景预测。中国对外贸易，1998,(印　　张 幼 文。加入WTO与全球化经营战略。ACEC.com.　　龚 建 培。中国服装业在知识经济时代生存与发展战略的思考。　　CHICnet　　毛 恺 ，许为民。中外品牌服装对比。山东纺织经济，1999,( 4)　　 朱俊 服装博客网